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Abstract Gardening

Per un caso fortuito e davvero fortunato mi sono virtualmente imbattuta in Marjolijn De Wit, un’artista che mi piace. È olandese e l’anno scorso ha esposto alla Otto Zoo, una galleria d’arte contemporanea aperta a Milano nel gennaio 2008 da Francesca Guerrizio e Maurizio Azzali.
La personale si chiamava Abstract Gardening

ne copio qui il comunicato stampa – ben fatto, leggibile e chiaro:

La mostra si focalizza su un tema centrale nel lavoro di De Wit: l’intervento dell’uomo sulla natura che è divenuto ormai così globale da influenzare la nostra percezione, fino a far quasi scomparire il confine tra il naturale e l’artificiale.

La natura attraversata dall’uomo è una metafora edulcorata nei parchi e nelle riserve naturali, commercializzata negli eco-shop e nei resort, servita in piccole dosi sulle terrazze e negli appartamenti cittadini, resa mediatica dalle finte scenografie televisive. Questi sono gli scenari da cui l’artista è attratta e attraverso i quali – estrapolando gli elementi organici e artificiali dal loro contesto originario – esplora il rapporto tra la pittura figurativa e astratta.

De Wit realizza infatti grandi tele, gouache, serigrafie, collage e lavori tridimensionali, interessata principalmente ad una natura deformata, eccessiva, stremata al limite del grottesco, dove l’elemento astratto rende più vitali e ironiche le sue immagini.

L’installazione Abstract Gardening raggruppa una serie di lavori che prendono spunto dall’arte del giardinaggio, dagli strumenti e dalle tecniche impiegate. In mostra grandi tele ad olio, piccole gouache, serigrafie, collage e sculture di ceramica spesso usata insieme ad altri materiali come plastica e alghe essicate. I soggetti sono boschi metafisici, nature morte formate da strutture molecolari, barriere coralline artificiali. De Wit è attratta da tutto ciò che è in between, dalle fasi di transizione di questi processi che diventano nelle sue opere paesaggi indefiniti nei quali l’artista può inoltrarsi liberamente. Nel suo lavoro è assente un atteggiamento moralistico nei confronti delle ripercussioni ambientali di questa continua prevaricazione umana sulla natura, ma è latente l’assunto che non esiste più un’idea di natura pura e incontaminata, con tutte le conseguenze che questo comporta.

Qui c’è il testo di uno scrittore e critico d’arte olandese; apprezzo il desiderio vero di spiegare, con un linguaggio che cerca di rendere piano e comprensibile il lavoro artistico, senza cadere nell’inutile, insopportabile e spesso ridicola retorica narcisistica di settore. Ma più che leggere, è importante vedere le opere, anche nel limite obbligato di una fotografia.
Purtroppo la mostra è conclusa, ma non dispero di riuscire a vedere le opere dal vivo chissà dove chissà quando.

e manca poco a Natale, se voleste regalarmi un Marjolijn De Wit ;)

semi di girasole

Dal 12 ottobre 2010 al 2 maggio 2011, alla Turbine Hall, presso la galleria d’arte moderna e contemporanea Tate Modern di Londra, l’artista cinese Ai Weiwei espone l’opera Sunflower Seeds 2010.

Il video è un piccolo documentario che spiega come è stata concepita e realizzata l’opera; mi rendo conto che quando si legge la durata – 14 minuti e 42 – si perda all’istante la voglia di vederlo, ma in questo caso si sbaglia: è un documento bellissimo, interessante e a tratti quasi commovente – non di quella commozione becera e insincera di cui è pieno il mondo, ma un sentimento empatico che ci fa comprendere realtà anche molto lontane dal nostro quotidiano.

Sono stati riprodotti in porcellana milioni di semi di girasole ancora nei gusci, ciascuno affinato, dipinto e cotto nella città di Jingdezhen. Non si è trattato di un lavoro industriale, ma è il frutto del mestiere di centinaia di mani operose. Questi cento milioni (100.000.000.000) di semi sono stati riversati nella grande Turbine Hall, creando un paesaggio infinito. Sunflower Seeds ci invita a guardare più da vicino al fenomeno del “Made in China” e alla geopolitica dello scambio culturale ed economico odierno.

A questa pagina trovate un breve testo che spiega l’opera in maniera semplice e chiara, qui sono citate alcune frasi dell’artista.

Ai associa i semi di girasole – la merenda più comune tra i ragazzi – alla brutale Rivoluzione Culturale (1966/76) di Mao Zedong. Mentre gli individui venivano privati della libertà, l’immagine di propaganda raffigurava il presidente come un sole e i cittadini come una massa di girasoli rivolti verso di lui. Nonostante tutto, Ai ricorda la condivisione dei semi di girasole come un gesto di compassione umana, che rendeva possibili spazi di piacere, amicizia e gentilezza durante un periodo di povertà estrema, repressione e incertezza.

Parco Arte Vivente

Tra gli incontri di PROVE TECNICHE DI COMUNITA’ URBANA DEL BUON VIVERE ce n’è stato uno, a mio avviso, particolarmente interessante e ricco di possibili sviluppi.

Riporto dal sito:

Il Parco Arte Vivente è un nuovo centro sperimentale per l’arte contemporanea nato a Torino nel novembre del 2008. Il panorama dell’arte contemporanea in questa città è ormai ampio. Perché aprire un nuovo spazio?
Per la sua specificità. Il PAV tratta quel filone dell’arte contemporanea che ha in qualche modo a che fare con il vivente: il vivente in  quanto organismo vivo, che ha un proprio ciclo vitale, ma anche il vivente in quanto persona, l’utente, il pubblico a cui si rivolge. C’è un’attenzione particolare verso il pubblico. L’arte una volta era elitaria, il museo era un luogo per pochi. Nonostante si siano fatti grandi passi avanti sulla frequentazione dei luoghi della cultura da parte di un pubblico sempre più ampio e sempre più vario, ancora oggi l’arte contemporanea, essendo spesso di difficile comprensione, tende ad avere una platea di esperti o simpatizzanti del settore.
Il Parco accoglie il cittadino nei suoi spazi verdi, lo richiama e gli si concede sotto forma di un pezzo di natura che è stato ritagliato in mezzo alla città, un pezzo di natura che è stato restituito ai suoi abitanti. Ma il PAV, è qualcosa di più che un semplice parco. E’ qualcosa di più che un semplice museo. È un luogo nel quale saranno presenti installazioni artistiche, un luogo di incontro e sperimentazione per artisti provenienti da luoghi diversi, è un luogo relazionale dove si prevede un coinvolgimento attivo dei diversi pubblici.
Per questo è importante che il linguaggio in uso al PAV sia comprensibile a tutti, specialisti e non.


In particolare, mi è stato inviato il comunicato stampa di un progetto che prenderà corpo alla fine di maggio (da giovedì 27 a sabato 29), JARDIN MANDALA (nota: il comunicato stampa che segue è simile a quello che si trova sul sito, ma più approfondito; vale la pena leggerlo):

Il PAV Parco Arte Vivente, inaugura Jardin Mandala, il giardino di Gilles Clément (Parigi, 1943) studiato appositamente per la superficie verde del tetto pensile del centro d’arte. E’ un giardino percorribile di circa 500mq che – riprendendo idealmente la struttura di un Mandala, notoriamente costituito da sabbia e pigmenti a sottolineare la delicatezza e l’impermanenza dell’esistenza – fonde nell’impianto vegetale, formato da sedum e graminacee, aspetti di perfezione e caducità della bellezza. L’intervento si sviluppa sulla sommità della collina che contiene “Bioma”, percorso interattivo permanente di Piero Gilardi. Clément ha voluto così cogliere la sfida di questo sito impiantando specie vegetali che si radicano anche nei terreni più aridi e che sopravvivono senza particolari cure di giardinaggio.

I Mandala, per tradizione, sono uno strumento unico per acquisire la consapevolezza di uno spazio nel quale fissare la mente, centrando la comprensione del proprio mondo interiore. Jardin Mandala – secondo l’autore – “può rappresentare sia il contenitore che il contenuto”, vale a dire l’insieme delle biodiversità vegetali nel loro costante divenire.

Ad approfondimento delle tematiche sviluppate nell’intervento di Gilles Clément, seguito dall’architetto paesaggista Gianluca Cosmacini, è organizzata giovedì 27 maggio, una tavola rotonda condotta da Alessandro Rocca (tra i relatori Michelangelo Pistoletto, Piero Gilardi, Gaia Bindi, Rocco Curto) presso l’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino. Il teorico francese, infine, è protagonista del workshop Jardin Mandala condotto al PAV nell’ambito delle Attività Educative e Formative del museo.

Ma la cosa che mi ha più entusiasmata (e divertita) rispetto a questo progetto sono due immagini che erano allegate alla mail di presentazione, due fotografie dello stesso Clément e di un altro signore che, diligenti, sono ripresi mentre mettono a dimora le piantine – nella fattispecie alcune Stipa tenuifolia e altre graminacee che non riesco a distinguere, speriamo mettano un elenco delle specie prescelte – che andranno a comporre il disegno del mandala. Una visione, se vogliamo, così poco canonica rispetto all’idea algida del progettista puro che nel silenzio delle sue stanze concepisce un elaborato teorico che verrà messo in pratica da altri. E soprattutto la manifestazione esplicita del tempo che ci vuole perché un progetto di verde prenda corpo, una variabile che troppo spesso viene dimenticata e sottovalutata nella progettazione. Quando si tratta di piante non posso permettermi di tralasciare l’andamento della vita, i ritmi di crescita, i possibili fallimenti, nell’illusione di un “pronto effetto” che difficilmente si realizzerà e manterrà nel tempo.

Bravo a Gilles che sta faticando ora per mostrarci la sua opera a maggio e buona Pasqua a tutti!